Nel genere di romanticismo nasconde un grido di libertà sconvolgente e straziante. Dopo la storica caduta dell'imperatore Napoleone, il movimento artistico del romanticismo divenne un via di fuga per le giovani generazioni, che aspirava a incarnare principi rivoluzionari. Questo movimento è una risposta alle restrizioni del classicismo e una ricerca di nuove forme di espressione in cui l'emotività e i sentimenti erano posti in primo piano.
Il Romanticismo come prima avanguardia artistica
Il romanticismo può essere considerato il prima avanguardia nella Storia dell'Arte, segnando un prima e un dopo rispetto al classicismo che lo ha preceduto. Questa tendenza artistica proclamava che l’arte non doveva essere orientata solo verso la bellezza formale ed equilibrata, ma anche verso la libera espressione dei sentimenti più profondi dell’essere umano. In questa direzione si disprezzavano l’accademismo e le regole precostituite che per secoli avevano dominato la scena artistica.
Il romanticismo ruppe con i limiti accademici dando risalto all’immaginazione, al soprannaturale e all’irrazionale. Gli artisti di quest'epoca non avevano paura di mostrare l'angoscia, il dolore, la malinconia e l'esaltazione della natura come forza invincibile e indomabile. Questo approccio artistico era così innovativo che presto trascese i confini dell’arte e si espanse nella letteratura, nella musica e in altre forme di espressione culturale.
Caratteristiche del Romanticismo nell'arte
Con l’avvento del romanticismo, l'arte cessò di essere governata dall'impossibilità del classicismo che fino ad allora aveva prevalso. Si proponeva un nuovo modo di concepire l'arte, in cui prevaleva la soggettività e l'esaltazione dei sentimenti. Alcune delle caratteristiche che hanno definito questo movimento sono:
- intensa espressione emotiva: Gli artisti romantici cercavano di riflettere i sentimenti più profondi nelle loro opere, come la paura, la passione, la follia e la solitudine.
- Soggettività sull'oggettività: A differenza dei classicisti, i romantici esaltavano l'individuo e il particolare, mettendo in risalto il vissuto personale e la percezione emotiva.
- Il gusto del sublime: Si allontanarono dalla bellezza classica, caratterizzata da ordine e razionalità, e optarono per il sublime, rappresentato dalla natura grandiosa e incontrollabile e dalle emozioni umane.
- libertà creativa: Si liberarono dalle rigide regole dell'arte accademica, esplorando nuove forme di rappresentazione, con una chiara predilezione per l'incompiuto e l'imperfetto.
- nazionalismo artistico: C'era interesse per argomenti legati alla storia e alle tradizioni nazionali, nonché alla rappresentazione del folklore e delle leggende popolari.
Tutti questi elementi si intrecciano per creare un'arte profondamente soggettiva in cui il mondo esterno è solo un riflesso del mondo interiore dell'artista.
L'impatto del paesaggio nel Romanticismo
Uno dei generi che subì una trasformazione radicale durante il Romanticismo fu il paesaggio. Questa smise di essere una semplice rappresentazione naturalistica per diventare una metafora dello stato emotivo dell'artista. I vasti e maestosi paesaggi di montagne, oceani o tempeste rappresentavano l'insignificanza degli esseri umani di fronte alle forze della natura. In questo contesto i romantici denunciavano, attraverso le loro opere, un sentimento di inferiorità e di angoscia di fronte al mondo insondabile e imprevedibile che li circondava.
Il paesaggio veniva utilizzato non solo per evocare un senso del sublime, ma anche per riflettere l'isolamento, la malinconia e talvolta l'eroismo di fronte alle avversità. Il pittore tedesco Caspar David Friedrich, ad esempio, è una delle figure più rappresentative di questo approccio. Nel suo lavoro Il camminatore sul mare di nuvole, il paesaggio diventa un'estensione emotiva dell'uomo che lo contempla, simboleggiando la ricerca introspettiva e la piccolezza dell'essere umano di fronte all'immensità.
La ricerca dell'esotico e del soprannaturale
Il romanticismo era anche caratterizzato dal fascino per l'ignoto, l'esotico e il soprannaturale. I romantici cercavano ciò che avevano trovato oltre il limite conosciuto, che sfuggiva alla ragione e alla logica. Nei suoi dipinti e nelle sue storie era comune trovare scene notturne, cimiteri, fantasmi, esseri mitologici e paesaggi esotici.
Questa attrazione per l'esotico portò anche a un rinnovato interesse per culture diverse dall'Occidente, come l'Oriente, le culture indigene dell'America o il mondo arabo. Artisti come Eugène Delacroix, con le sue scene orientaliste, sono riusciti a catturare questo fascino in opere piene di colore, emozione e drammaticità.
Avventure ed esplorazioni fantastiche trovarono nel Romanticismo un terreno fertile per il loro sviluppo. I temi dell'esplorazione del mistico e dell'irreale riflettevano lo spirito di un'epoca segnata dalla ricerca di significato oltre il tangibile.
L'artista romantico: un genio incompreso
Durante il Romanticismo la figura del artista come un genio incompreso, qualcuno che viveva in costante tensione con il mondo che lo circondava. L'ideale del "genio romantico" si basava sulla convinzione che l'arte nascesse dalla parte più profonda dell'essere, da un luogo tra sentimenti oscuri, sogni e passioni traboccanti. Per questo molti artisti romantici erano conosciuti tanto per le loro vite tormentate quanto per le loro opere.
La sofferenza e la solitudine erano spesso viste come condizioni necessarie per la creazione artistica in questo periodo. Figure come il poeta inglese Lord Byron o il compositore Ludwig van Beethoven incarnavano queste idee. Beethoven, ad esempio, non cercava più di creare musica per soddisfare le aspettative del pubblico, ma per esprimere le proprie emozioni e l'inquietudine interiore, rendendolo un pioniere dell'arte come vocazione.
Romanticismo nella scultura e nell'architettura
Sebbene la pittura e la letteratura fossero i mezzi di espressione artistica più importanti del Romanticismo, anche l’architettura e la scultura furono influenzate da questa corrente. Nella scultura si tendeva a creare opere che, pur basandosi sulla mitologia classica, incorporavano un maggior grado di dinamismo e drammaticità nelle composizioni, nonché un uso più efficace del chiaroscuro per accentuare le emozioni nelle forme umane rappresentate.
In architettura, questo periodo ha portato con sé a rivalutazione del passato, soprattutto l'arte medievale. Gli stili gotico e neogotico guadagnarono popolarità, soprattutto nella costruzione di cattedrali ed edifici pubblici. Si riteneva che l’architettura medievale riflettesse i valori spirituali e le emozioni sublimi apprezzate dai romantici.
L'influenza del Romanticismo sulla musica
La musica fu un'altra delle arti in cui il Romanticismo prese vita con grande intensità. Compositori come Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Robert Schumann e Frédéric Chopin hanno plasmato una nuova visione della musica, dove la libertà espressiva e la trasmissione di emozioni profonde avevano la priorità rispetto alle precedenti convenzioni formali.
È in questo periodo che la musica acquista un carattere quasi letterario e narrativo, con l'integrazione di poesia e melodie più libere ed emozionali. Funziona come Sinfonia n. 9 di Beethoven sono passati alla storia non solo come grandi conquiste tecniche, ma come picco dell’espressione emotiva nella musica. I brani per pianoforte di Chopin, dal canto loro, sono esempi di come questo strumento fosse utilizzato per esprimere sentimenti malinconici, romantici e appassionati con un'intensità mai vista prima.
El lied, una forma di canzone classica che unisce poesia e musica, raggiunse il suo apice in quest'epoca, con Schubert come il suo più grande esponente. Queste canzoni trasmettevano emozioni complesse attraverso melodie semplici, rendendo la musica accessibile a un pubblico più generale.
Questo momento nella storia artistica dell'Occidente ha segnato un prima e un dopo: tutta la cultura successiva, fino al XXI secolo, continua ad essere segnata da idee romantiche sulla libertà e sull'espressione individuale.